¿Quién fue la pintora mística Agnes Pelton? Curadora Barbara Haskell en el artista de Brooklyn que pidió iluminación en el desierto

la gran entrevista

El curador de Whitney detalla la cautivadora vida del pionero pintor estadounidense.

Andrés Goldstein,

Un retrato de Agnes Pelton. Foto: Alice Boughton.

A medida que la mayor parte del mundo se cierra y muchos millones de personas se encuentran aisladas en sus hogares, tal vez sea apropiado que una nueva exposición (aunque ahora cerrada) en el Museo Whitney de Arte Estadounidense de Nueva York profundice en el trabajo de una mujer que vivió mucho. la rejilla, y de acuerdo con sus propias reglas psíquicas.

“Agnes Pelton: Desert Transcendentalist” es una mirada extensa a las pinturas a las que Pelton dedicó su vida; se basaron en gran medida en temas de misticismo y teosofía y se inspiraron en sus propias visiones. En los días previos a su cierre como resultado de la crisis de salud, el espectáculo de Pelton, que originalmente fue organizado por Gilbert Vicario del Museo de Arte de Phoenix, ya estaba ganando elogios. Y es parte de una tendencia más amplia de historiadores que revalorizan a las artistas femeninas inspiradas en lo oculto (Hilma af Klimt, ¿alguien?).

La curadora del Museo Whitney, Barbara Haskell, que trabajó en la presentación de la muestra en Nueva York, habló recientemente con Andrew Goldstein para analizar la historia de vida de la artista, más extraña que la ficción, y por qué su trabajo está tocando un punto crítico en este momento.

Curadora Bárbara Haskell. Foto: Scott Rudd. Cortesía del Museo Whitney de Arte Americano.

¿Cómo supo por primera vez de Agnes Pelton y su trabajo?

A fines de la década de 1990, un comerciante de Los Ángeles me lo presentó y me enamoré del trabajo. La trayectoria de cómo el Whitney terminó obteniendo su primera pintura de Agnes Pelton en 1995 es interesante, porque ella era totalmente desconocida. Así que presenté su trabajo al comité de adquisiciones y lo rechazaron.

Pero pensé que esto era algo que valía la pena seguir. Y volví a ellos un segundo año y también lo rechazaron. Regresé a un tercer año y, finalmente, Leonard Lauder, quien en ese momento presidía el comité, dijo: “Sabes, Bárbara cree en este trabajo. No quiero que vuelva un tercer año. Compremos." Entonces, dos obras han estado en la colección del museo durante más de 20 años, y han estado expuestas casi continuamente en los nuevos edificios desde que abrimos en 2015.

Un retrato de Agnes Pelton. Foto: Alice Boughton.

A menudo, es útil conocer la vida de un artista al mirar su trabajo, y para Pelton, esto puede ser especialmente crítico ya que tuvo una educación particularmente dramática, como algo sacado de Dickens.

Como ella misma dijo, fue un escándalo que entorpeció tanto la vida de su madre como la suya propia, y sí figura de manera muy importante en su decisión de buscar un sentido diferente a la vida, lejos de lo físico y hacia algo más espiritual.

Así les sucedió a sus abuelos maternos; Teodoro y Elizabeth Tilton. Theodore era un importante editor de un periódico que era el protegido del muy conocido abolicionista y pastor Henry Ward Beecher. En un momento, Elizabeth comenzó una aventura con Ward Beecher, quien por supuesto en sus sermones predicaba el celibato y la moralidad, y cuando la aventura se hizo pública, Theodore demandó a Ward Beecher por enajenación de afecto. Elizabeth se negó a testificar contra Ward Beecher, quien todavía era su pastor, y el juicio terminó con un jurado dividido con Theodore completamente humillado.

Los Tilton enviaron a su hija, Florence, a Europa, y Theodore mismo fue a París y murió empobrecido; Mientras tanto, Florence conoció a un rico expatriado de Luisiana que era algo así como un inútil, y tenían a Agnes Pelton en Stuttgart. Regresaron a Brooklyn, pero el esposo de Florence no estaba contento y Agnes rara vez veía a su padre; murió cuando ella tenía 10 años por una sobredosis de morfina. La madre se convirtió en una reclusa, todavía muy espiritualmente inclinada, pero excomulgada de la iglesia, y realmente preparó el escenario para que Agnes se volviera hacia adentro, lo cual hizo.

¿Y cómo se interesó Agnes en el arte?

Asistió al Instituto Pratt, estudiando con Arthur Wesley Dow, el famoso educador de arte que pasó a enseñar a Georgia O'Keeffe y a muchos otros abstraccionistas. Dow fue una de las personas que pensó que el arte debería ser más una expresión de la experiencia del artista, no debería ser ilustrativo.

A partir de ahí, Pelton estudió en Roma durante un año, regresó y formó parte de un grupo de artistas que tendían a pintar paisajes y figuras místicas, el más famoso de los cuales es Arthur B. Davies. Las primeras obras de Pelton estaban en ese mismo modo de lo que se llamó introspectivas, donde había figuras en comunión con el paisaje, muy soñadoras y simbolistas.

Agnes Pelton, Cambio de mar (1931). Cortesía del Museo Whitney de Arte Americano.

¿Podemos hablar un poco sobre su psicología? ¿Cómo esta crianza tan inusual y la historia familiar traumática dieron forma a la forma en que miraba el mundo y la forma en que se presentaba a sí misma?

Mi suposición es que la animó a volverse hacia adentro. Provenía de una familia muy espiritual, por lo que la idea de encontrar significado y algún tipo de experiencia espiritual fue parte de su educación, pero tuvo que recurrir a formas no tradicionales para encontrarlo. Por ejemplo, se vistió con estos trajes de toga griegos muy etéreos y comenzó a estudiar literatura oculta y teosofía.

Una cosa que me gustaría señalar es que antes de dar este giro místico, parecía tener el comienzo de una exitosa carrera artística. Una de sus pinturas se incluyó en el Armory Show de 1913, que es famoso porque es donde se estrenó Desnudo bajando una escalera de Duchamp.

Absolutamente, ella estaba en el Armory Show, era parte de un espectáculo de la Galería Knoedler que ayudó a lanzar un grupo simbolista. Así que la conectaron con un grupo de personas que recibirían reconocimiento por su trabajo.

Su traslado a Long Island en 1922, cuando se mudó a un molino de viento abandonado, fue muy radical. Después de la muerte de su madre, quien fue la última conexión de Pelton con el mundo físico, ella no era completamente una reclusa, sino que realmente estaba aislada allí y cortaba las relaciones con el mundo del arte exterior.

La teósofa ucraniana Madame Helena Petrovna Blavatsky. (Foto de la colección Henry Guttmann/Hulton Archive/Getty Images)

Mencionaste cómo ella cayó bajo el hechizo, por así decirlo, de Madame Blavatsky, quien era esta decana de la teosofía y una especie de madre guarida de la escena oculta en Estados Unidos. ¿En quién más estaba interesado Pelton?

Después de la muerte de Blavatsky, la teosofía se dividió en varios grupos, y uno de ellos era una filosofía llamada Agni Yoga (Agni significa fuego). Fue fundado por Nicholas Roerich y su esposa Helena y se basó en la idea de que el fuego es un símbolo de la fuerza vital, algo muy poderoso y profundo y un símbolo del viaje espiritual hacia esta otra divinidad armoniosa.

Creo que mucha gente estará familiarizada con la visión del mundo de Blavatsky, que en realidad era una combinación de las religiones del mundo en una historia superior, de una especie de camino divino que se sigue a través de muchas narraciones diferentes. Pero Nicholas Roerich es un espiritista mucho más especializado, y entiendo que tenía una inclinación apocalíptica. ¿Puedes hablar de eso?

Era una especie de conglomerado de varias filosofías, religiones y sabidurías, especialmente el budismo y el cristianismo. Pero él era una figura muy mesiánica. Él mismo era pintor, era un explorador, tuvo una amplia gama de carreras antes de crear Agni Yoga con su esposa, quien transcribía las voces que escuchaba, que formaron la base de la práctica. Era una figura muy carismática, y una de las pinturas que hizo Pelton se parece un poco a Nicholas Roerich.

Agnes Pelton, Órbitas (1934). Cortesía del Museo de Oakland de California, obsequio de Concours d'Antiques, el Art Guild del Museo de Oakland de California.

Entonces, ¿qué impacto tuvieron todos estos diferentes tipos de maestros y místicos en su arte?

Bueno, sucedió de dos maneras. Uno, creo que le confirmó que había un mundo que existía más allá de lo físico y que el objetivo de la vida era conectarse con ese mundo.

También comenzó a incorporar en su obra símbolos que formaban parte de toda esta literatura mística. Entonces, las estrellas, por ejemplo, eran el símbolo de Venus, el logro de la iluminación. Usaría montañas, que identificó como montañas de aspiración. El trabajo es esta combinación muy inusual de formas abstractas y, sin embargo, símbolos reconocibles.

Parece haberse inspirado un poco en un compañero protegido de Blavatsky, Wassily Kandinsky.

Fue muy influenciada por Kandinsky. Ella leyó su libro sobre lo espiritual y el arte y realmente se adhirió a la idea de que es una necesidad de los artistas presentar lo espiritual y, a través de la forma y el color, los artistas pueden evocar impresiones y sentimientos en los espectadores.

La gente suele pensar en Kandinsky como el primer pintor abstracto, pero hoy en día sabemos que en realidad hay un artista que tiene más derecho a reclamar ese título, y esa es Hilma af Klint, la mística artista sueca que ha estado muy presente en las noticias desde que fue el tema de un espectáculo de gran éxito en el Guggenheim.

Estas dos mujeres fueron prácticamente desconocidas en su vida y surgieron en el mismo momento en Nueva York. Es una maravillosa coincidencia.

Agnes Pelton, Sin título (1931). Cortesía del Museo Whitney de Arte Americano.

¿Conocía a Hilma af Klint?

No, no lo hizo. Creo que ambos tienen un impulso similar para expresar una realidad espiritual. Ambos leen teosofía y mucha literatura oculta. La diferencia, creo, es que Pelton llamó a su trabajo abstracto y se presenta como abstracto, pero incluye imágenes reconocibles.

Entonces hay imágenes de montañas, muchas estrellas. Hay ese tipo de accesibilidad que tiene su trabajo. Involucra a las personas con la sensación de que hay un significado que luego quieren descifrar.

Simultáneamente a este contenido místico, hay casi una especie de amabilidad al estilo de Disney en la composición.

Absolutamente. Estas imágenes de estrellas, montañas, cisnes y varios elementos reconocibles crean una sensación de fantasía mágica. Tiene una especie de calidad de luz vertiginosa que invita a la gente a entrar.

En 1932, a la edad de 50 años, Pelton se mudó a un pequeño pueblo en el desierto a las afueras de Los Ángeles con el nombre increíblemente cargado de Cathedral City. ¿Qué la atrajo a ese pueblo?

Primero se sintió atraída por el sur de California debido a las colonias espirituales que había allí. Había ido a visitar Pasadena en 1928, donde había un grupo de espiritistas de mentalidad similar. El desierto en sí era algo, creo que el vacío, la sensación de expansión, la calidad del infinito, la luz en el desierto. Esas son todas las cosas que la atrajeron y se convirtieron en elementos de las pinturas. Las pinturas tienen una especie de brillo suave que casi te recuerda cómo se siente el desierto al final de la tarde o temprano en la mañana.

Agnes Pelton, Ray Serene (1925). Foto de Jairo Ramirez, cortesía de la colección de Lynda y Stewart Resnick.

Pelton escribió una vez: “Me siento un poco como el guardián de un pequeño faro, cuyo haz va más allá de lo que sé e ilumina para otros más de lo que puedo ver”. ¿Puedes describir el tipo de pinturas que hizo?

Una vez que establece su vocabulario en 1925, no se desvía de él. Ella no pintaba para otras personas. Ella no pintaba para el mercado. De hecho, para ganar dinero, pintó retratos realistas y pinturas del desierto que vendía a los turistas.

El trabajo abstracto era el trabajo real, y le resultaba difícil hacerlo. A veces solo podía pintar un día a la semana. No era como si fuera a su estudio y pensara, está bien, hoy voy a tener una inspiración. Tenía que esperar a que llegaran esas inspiraciones.

¿Alguna vez vendió sus abstracciones?

Vendió algunos de ellos, pero la mayoría de la gente no los entendía. Por ejemplo, vendió un par de cuadros a un coleccionista que vivía cerca de Santa Bárbara. El coleccionista entregó las pinturas a un museo que no las quería, así que las puso en una venta de garaje con un precio de $40. Durante el transcurso del día, el precio siguió bajando más y más. Finalmente, las pinturas se vendieron por $5.

Guau. ¿Era capaz de llegar a fin de mes?

Vivía muy frugalmente, y luego, a través de la venta de estas pinturas turísticas, pudo ganarse la vida. No estaba realmente preocupada por la fama y la fortuna en la forma normal en que los artistas piensan hoy en día: realmente hizo las pinturas para ella misma, para aclarar su sentido de cómo alcanzar este nivel de iluminación espiritual.

Agnes Pelton, Madre del silencio (1933). Cortesía de una colección privada.

Un símbolo de lo personal que era para ella era que tenía un lienzo al que llamó Madre del Silencio , que es una figura similar a un Buda envuelta en colores auráticos, y consideró que en realidad era una forma de su madre que podía hable con él y recurra a él en busca de consejo en momentos de angustia.

Era su madre o el sentido del espíritu femenino: se sentía más atraída por la literatura oculta escrita por mujeres. Pelton sintió que la pintura en sí tenía una presencia viva y ella se volvería hacia ella y le pediría consejo sobre lo que debería hacer con su arte y con su vida. Realmente sintió que era un ícono vivo para ella.

¿Alguna vez tuvo algún tipo de interés curatorial? ¿Hubo alguna vez una Barbara Haskell que apareció durante su vida y le dio protagonismo?

No, y por eso, cuando ella murió, la obra realmente quedó en el olvido. Ella no tenía un abogado. No fue hasta finales de la década de 1980, principios de la de 1990, que la gente empezó a mirarlo de nuevo.

¿Y fue entonces cuando su trabajo fue incluido en algunos espectáculos importantes?

Sí. En 1986 hubo una muestra histórica en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, "Lo espiritual en el arte: pintura abstracta 1890-1985", y luego, en 1995, hubo una muestra unipersonal organizada por el Museo de Palm Springs, más o menos en su vecindario cerca de Cathedral City.

Agnes Pelton, Centro de luz (1947-1948). Foto de Jairo Ramirez, cortesía de la colección de Lynda y Stewart Resnick.

A lo largo de su carrera, Pelton inventaría nuevas formas, nuevas composiciones, nuevas formas de hacer sus pinturas y nunca se repitió a sí misma, con una excepción en 1961, el año de su muerte, cuando recreó una abstracción muy específica que había hecho más de una década antes. La pintura tiene una especie de forma de huevo brillante suspendida en una columna de luz.

Eso es exactamente correcto. La mayoría de sus cuadros son muy diferentes, nunca trabajó en serie. Debido a que los sacó de sus propias visiones, cada vez fue una experiencia diferente con un conjunto diferente de problemas. Pero tiene sentido que volviera en círculos al Centro de Luz, con un orbe de luz brillante y el círculo como símbolo del infinito, al final de su vida.

Entonces, cuando murió, ¿estaba sola?

Nunca tuvo herederos ni una relación a largo plazo, pero sí tuvo un funeral y asistieron varias personas de la comunidad. Pusieron una pintura en el funeral, una obra llamada The Blest que sus sobrinas y sobrinos sintieron que simbolizaba su ingreso a otro nivel de existencia.

Históricamente, parece que se vio un poco obstaculizada por el hecho de que siempre la compararon con Georgia O'Keeffe, que vivía en el mismo tipo de geografía remota y parece estar abordando temas esotéricos llamados femeninos similares. ¿Por qué crees que fue ella quien realmente capturó el espíritu de la época y Pelton cayó en la oscuridad?

Georgia O'Keeffe tuvo la gran ventaja de tener un defensor, un defensor muy poderoso, en Alfred Stieglitz. La otra cosa sobre O'Keefe es que el trabajo se volvió realista en el momento en que se mudó al desierto. Pudo combinar formas realistas y sensuales como flores y montañas con una técnica de pintura de borde duro. La combinación del tema atractivo y el fuerte defensor fue lo que hizo que O'Keeffe fuera tan popular durante su vida. Pelton no tenía ninguno.

Agnes Pelton, Los benditos (1941). Foto de Martin Seck, cortesía de la colección de Georgia y Michael de Havenon.

Parece que hay un resurgimiento del interés en el arte que aborda temas que van un poco más allá de lo racional, y en esta época en la que casi todas las certezas se han cuestionado y todo se está derrumbando, la gente no puede ir a ver tu espectáculo en el Whitney en este momento. Pero, ¿hay alguna lección que se pueda encontrar en la historia de Agnes Pelton y su arte?

En cierto modo, estamos entrando en un mundo surrealista que ninguno de nosotros ha experimentado nunca. La gente está más insegura y más asustada que nunca y, paradójicamente, el trabajo de Pelton nos habla con más fuerza ahora que quizás incluso hace dos semanas.

A fines del siglo XIX y principios del XX, hubo mucha reubicación, urbanización e industrialización que estaba cambiando la forma en que vivía la gente, y había mucha incertidumbre sobre lo que traería el futuro. Ahora estamos en un momento en que eso es quizás incluso más cierto que hace cien años. Pero el deseo de significado sigue siendo tan intenso como siempre.

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Andrés Goldstein

Editor en jefe

Video: agnes pelton

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