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El trabajo seminal del director de fotografía Linus Sandgren en La La Land (2016) le valió varios elogios, incluido el BAFTA, el premio Critics' Choice y un premio de la Academia a la mejor fotografía. Junto con el director Damien Chazelle, creó el medio visual perfecto para La La Land. La película cuenta la historia del aspirante a artista de jazz Sebastian (Ryan Gosling) y Mia, una actriz (Emma Stone), que se enamoran. Fue elogiada por la crítica por su rica visión de los años dorados de Hollywood y sus secuencias musicales.

Chazelle y Sandgren decidieron desde el principio que la cámara no sería un mero medio para documentar la progresión de la historia, sino un instrumento para moldear activamente su dirección. Como musical, gran parte de La La Land se comunica a través de secuencias de baile y canciones de ritmo rápido. Como la mayoría de estos números fueron filmados en vivo, el trabajo de cámara tenía que funcionar de una manera que mantuviera la vitalidad de la ciudad de Los Ángeles mientras le impartía una cualidad de ensueño.

Estableciendo el tono a través del trabajo de cámara

Sangren decidió filmar en película en lugar de filmar digitalmente; esto fue para preservar los colores saturados en la toma, en lugar de agregarlos en la posproducción. La idea era emular la época dorada de Hollywood; La La Land es una película sobre rendir homenaje al cine de la era de los 50. Entonces, las elecciones estéticas para cada cuadro reflejaban lo mismo. Sandgren rodó con un equipo que evocaba la relación de aspecto de CinemaScope (2,55:1). El efecto fue el de una ligera distorsión que provocó que los cuadros llenaran la pantalla de visualización. La nostalgia no fue el único motivo aquí, el propósito narrativo al que servían era sumergir completamente a los espectadores en el mundo de los personajes. La distorsión alrededor de los bordes sirve como un sutil guiño de la cámara al elemento de fantasía del musical.

Considere la escena de apertura: comenzamos en una carretera estándar de Los Ángeles, con un automóvil tras otro atascados en la carretera. La charla de radio individual en el fondo se desvanece en las notas iniciales de Another Day of Sun mientras la cámara enfoca a una mujer que canta dentro de un automóvil. Cuando sale de su automóvil y se unen más voces, la cámara se abre para permitirles a todos entrar en el cuadro. La cámara simplemente se mueve hacia adentro y hacia afuera, enfocándose en cualquier parte de la escena que coincida con la música. A medida que avanzamos en la canción, la continuidad de la escena comienza a destacarse.

Esta fue una elección artística. El público sabe que el escenario sigue siendo una ciudad real, con carreteras y tráfico reales. Pero por un breve momento, mientras la cámara se extiende a través de cientos de personas bailando entre autos, el camino se convierte en el escenario. La cámara está en completa sincronía con la musicalidad de la película. Esto introduce a los espectadores a los temas clave de la película: el mundo del espectáculo, la teatralidad y la creencia de que todo es posible.

Enmarcando la narrativa

Fuente de la imagen: netflix.com

La composición de cada fotograma es de forma que sabemos enseguida quiénes son nuestros protagonistas. La entrada de Mia en la película técnicamente puede ser en un breve segundo de furia al volante dirigida a Sebastian, pero cuando la conocemos correctamente, es en su primera audición. La cámara se acerca gradualmente a su rostro a medida que el espectador se ve atraído por su acto, actuando como un foco para bloquear todo lo demás. Una vez que se ha roto el hechizo, la vemos enmarcada en colores primarios, para insinuar su visión idealista de su oficio.

Del mismo modo, la cámara sigue a Sebastián desde su primer momento en la carretera, hasta su apartamento. Es aquí donde podemos ver el contraste apagado de su apartamento. Las paredes son blancas, y él mismo solo se viste de marrón y tostado. Esto es para enfatizar su devoción purista por el jazz y su desdén por todo lo relacionado con la fusión.

Su yuxtaposición y la composición estética en la que se presentan por primera vez contribuyen en gran medida a construir su carácter. Sin detallar un solo detalle de sus vidas, la cámara los ha establecido como contrastes narrativos. Una y otra vez, esta técnica se usa para permitir que la audiencia siga la historia simplemente estableciendo algunas técnicas básicas y usándolas para realzar la trama.

Coloreando entre lineas

Sandgren hace un uso frecuente de los colores para que el público sepa lo que está a punto de suceder. Él no ve el color como un mero componente estético del cine. Más bien, lo usa a su favor. Mencioné anteriormente cómo la saturación del color imparte una ensoñación al musical. El color también establece una distinción entre la realidad que habitan los personajes y sus paisajes mentales. Recomiendo este maravilloso video ensayo de Sight Unsound .

Echemos un vistazo a los colores primarios y su significado en este contexto.

Rojo

El color está presente cuando los personajes se encuentran en un momento profundo e introspectivo. Significa confusión emocional: Mia se baña repetidamente en luces rojas mientras canta su solo en Alguien en la multitud. También se la presenta con una iluminación similar y más oscura justo antes de realizar su espectáculo de una sola mujer. Esto muestra su insatisfacción cuando la cámara deja al descubierto su vida interior para la audiencia. El rojo es también el color de la realidad. Es cuando los personajes se enfrentan a la desordenada verdad de su vida que el color toma el centro del escenario.

Pero el rojo es también el color de la pasión. Alude a su creciente romance. Por ejemplo, mientras Mia corre hacia su primera cita con Sebastian, pasa a través de fuentes de luz roja de neón. Cuando se interrumpe su primer beso, ambos quedan enmarcados por el rojo de las butacas del teatro.

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Azul

Este color hace una aparición destacada en La La Land. El azul, por supuesto, puede denotar calma y paz, pero también representa tristeza interior. Cuando Mia aparece con el vestido azul, a punto de ir a una fiesta, parece estar bien en la superficie. A medida que la seguimos más y más profundamente, el azul también revela su incertidumbre interna. En particular, mientras camina a casa, está enmarcada por la luz de la luna azul pálido, lo que sugiere su estado de ánimo.

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Sin embargo, el azul también se asocia con la creatividad, el arte de Mia y Sebastian y la propia opulencia de Hollywood. Sebastian siempre se pone un elegante traje azul para tocar su música en los eventos. Mia se quita la cazadora azul para revelar una camisa blanca manchada de café debajo cuando su audición no sale bien.

Fuente de la imagen: ascmag.com Fuente de la imagen: usatoday.com

Narrativamente, el azul y el rojo se desplazan para consolidar los temas de la película. Reflejan el movimiento de la película entre una fantasía onírica y la realidad, respectivamente. Cuando se mezclan para crear el púrpura, se yuxtapone la idea de una unión a través de un medio visual, así como la separación final por la que pasarán Mia y Sebastian. En particular, el fondo púrpura del cielo mientras bailan A Lovely Night se suma a la calidad de ensueño de toda la secuencia. Cuando regresan al mismo lugar al final, y falta el tono púrpura, le permite al público saber que su tiempo juntos ha llegado a su fin.

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Amarillo

El amarillo es un color juvenil que aparece en la película para insinuar un cambio. Mia lleva un vestido amarillo brillante cuando conoce a Sebastian y se embarcan en una relación juntos. Es el color del optimismo. Cuando Mia y Sebastian caminan por la ciudad en su descanso, él está vestido con sus colores neutrales habituales, pero usa una corbata amarilla, como si esperara un nuevo comienzo.

Iluminación y enfoques estilísticos.

Sandgren utiliza técnicas cinematográficas para crear una unidad de efecto. En La La Land, utiliza la iluminación de la hora dorada para representar lo mejor de Los Ángeles. Ha dicho que la clave estaba en “elegir los momentos en los que el pueblo es más mágico de lo que normalmente es”. El destello de lente también se usa a menudo en la película, pero siempre de una manera naturalista. Tiene la forma del sol rebotando en ventanas de vidrio o espejos, o salpicaduras de agua creando una refracción momentánea de la luz. Todo esto, dice, se utilizó para crear una atmósfera romántica. En lugar de simplemente usar técnicas como adornos, las usa como componentes cruciales en una maquinaria narrativa controlada.

¿El resultado? Pura fantasía cinematográfica. Desde el momento en que Mia sale con un vestido azul como sus amigas ooh y aah, cada movimiento de la falda, cada giro de la cámara significa algo. La nostalgia de la película se utiliza en todo su esplendor, ya que cada referencia al Hollywood antiguo se filma y se enmarca en métodos que son un tributo a la misma. La intención no es que el espectador analice los detalles, sino que se sumerja por completo en la experiencia. Debido a su uso expresionista de las técnicas clásicas de la cinematografía, La La Land es verdaderamente la carta de amor de Linus Sandgren a la magia del cine.

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¿Quién hizo la cinematografía de La La Land?

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El trabajo seminal del director de fotografía Linus Sandgren en La La Land (2016) le valió varios elogios, incluido el BAFTA, el premio Critics' Choice y un premio de la Academia a la mejor fotografía.

Cómo funciona la cinematografía en La La Land

Cuando se trataba de escenas con muchos diálogos, se usaban dos cámaras para capturar a ambos actores al mismo tiempo. Es una forma más costosa de filmar, pero puedes capturar una reacción genuina de los actores. Para el número de apertura de la película, la escena completa consta de tres tomas unidas durante dos días.

¿Cómo filmaron La La Land?

El director Damien Chazelle pasó casi un año editando una película que tiene muchas escenas filmadas en una sola toma. Chazelle tuvo la idea de filmar en lugares con un toque retro. Además, este premiado musical romántico fue filmado utilizando el estilo de pantalla ancha de la vieja escuela, el CinemaScope.

Es La La Land rodada en película

La película La La Land, estrenada en 2016 y dirigida por Damien Chazelle, se filmó en película y digital con la cámara Aaton A-Minima, la cámara Panavision Panaflex Millennium XL2 y los lentes anamórficos Panavision C Series, Panavision C35 35 mm T2.

Video: best gorilla

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